Hidros 9 (2022) / Oslo
Interakcja pomiędzy pracami graficznymi, 2 zespołami kameralnymi, 4 solistami, elektroniką przetwarzającą i dyrygentem.
Na zamówienie Avant Art
Zamówiony nowy utwór „Hidros 9” (2022) jest głębszą eksploracją i kontynuacją poprzedniego utworu Hidros o.T. (2019), zamówionego przez NyMusikk Trondheim i będzie dotyczył lustrzanych form i struktur, związanych z pracami wizualnymi Mathiasa Pöschla (AUT).
Kontrolując 3 różne grupy instrumentów (9-osobowy zespół kameralny, grupę solistów i elektronikę), dyrygent będzie mógł wykorzystać 3 różne rodzaje grafiki i modele dyrygowania, dostosowane do konkretnych treści grafiki.
Pierwsza grupa instrumentalna będzie składała się z podwójnie lustrzanego 9-osobowego zespołu z podwójnym ustawieniem: skrzypce, wiolonczela, 2 basy, gitara, perkusja, bęben basowy, organy i fortepian preparowany oraz akordeon. Grupa ta pracuje z różnymi powiązanymi grafikami (1-13) sterowanymi przez dyrygenta. Jeden 9-osobowy zespół z Norwegii (NyMusikk Trondheim) i jeden o podobnym składzie instrumentalnym z Polski (Avant Art Ensemble).
Grupa solowa będzie pracowała z zupełnie innymi źródłami dźwięku i grafiką, stanowiąc równowagę pomiędzy (lustro) dwoma 9-osobowymi zespołami. Wzmocniony saksofon basowy, trąbka, gitara(y) elektryczna(e) i tuba. Soliści będą pracować w różnych konfiguracjach, jak również z utworami solowymi, które wykorzystują dwa lustrzane zespoły jako silnik muzyczny. Soliści będą pracować z całkowicie odmiennymi grafikami (1 – 6), w których będą mogli swobodnie interpretować utwory zgodnie z zasadami kompozytora.
Soliści będą pracować w bezpośredniej interakcji między obrazem/ partyturą a dwoma lustrzanymi zespołami. Kontrolę nad nimi sprawuje dyrygent.
Trzecią grupą instrumentalną jest elektronika: gramofony i magnetofony szpulowe. Będą oni pracować z zupełnie inną partyturą graficzną i wykorzystywać źródła dźwięku z poprzedniego utworu Gustafssona/Pöschla: „Hidros o.T. (2019) i przetwarzać te nagrania dźwiękowe na żywo w interakcji z dyrygentem i lustrzanym zespołem, a także z solistami.
Zasady i elementy gry zostaną ustalone przez kompozytora i wykonane na żywo przez dyrygenta w sytuacji INSTANT CONDUCTING, gdzie tempo, dynamika, gęstość i inne parametry muzyczne będą kontrolowane przez wcześniej ustalone zasady dyrygowania.
To, co nada utworowi szczególny kształt, charakter i profil, to spotkanie tradycyjnego instrumentarium i tradycji (zachodnie instrumenty smyczkowe: 4 kontrabasy, 2 wiolonczele, 2 skrzypce) z nową technologią (saksofon basowy ze wzmacniaczem z mikrofonem kontaktowym, gramofony, elektronika i magnetofon) – a wszystko to w natychmiastowej sytuacji dyrygenckiej i współgraniu z interakcjami Solistów.
Wszystkie grafiki będą widoczne na scenie – zarówno dla muzyków, jak i dla publiczności.
Swobodna gra skojarzeniowa między publicznością a artystami.
W Hidros 9 zastosowanych zostanie wiele warstw interakcji i nowych muzycznych perspektyw, form i tarć. Wszystko to w powiązaniu z partyturami graficznymi i pracami austriackiego artysty Mathiasa Pöschla oraz grami i kompozycjami przewodzącymi Matsa Gustafssona.
Solowy improwizator, często we współpracy z tańcem współczesnym, sztuką wizualną, poezją i teatrem Kompozytor utworów solowych na saksofon, live electronics i utworów zespołowych. Instalacje dźwiękowe.
Zamówienia Szwedzkiego Instytutu Koncertowego, Szwedzkiego Radia Narodowego (P1 & P2), KulturBro 2000, Krakowska jesień jazzowa 2013, Norrlands Operans Symfoniorkester, Now and Forever Space project 2014, Klangforum Wien. Kompozycje grane przez Sonic Youth, Nu-ensemblen, Peter Brötzmann Chicago Tentet, Copenhagen Art Ensemble, The Thing, AALY Trio, The End, Trondheim Improvisers Ensemble, Neneh Cherry, NyMusikk TRondheim, FRIM Storband, Trondheim Voices a. o. Kurator festiwali; Sounds 89 & 99, Solo -92, Dygn (-95), Open Music – KulturBro 2000, 2002, Wels /unlimited music 2003, Perspectives 2004, Perspectives 2007, Perspectives 2009, Nickelsdorf Konfrontationen 2010….
Od 2000 roku kurator szwedzkiego instytutu koncertowego, który organizuje tournee z serią projektów „Frislag”. Ponownie uruchomił FRIM w 1998 roku (stowarzyszenie wolnej muzyki improwizowanej w Szwecji). Obywatel Elgaland/ Vargaland (KREV) Założył Blue Tower Records z Haraldem Hultem w 1989 roku. W 1999 roku założył Crazy Wisdom z Christianem Falkiem i Conny C. Lindström.
Założenie Olof Bright Editions z Thomasem Millrothem w 2000 roku. W 2006 roku założył SLOTTET z Conny C Lindström i Marią Eriksson.
Intensywne tournée, ponad 2000 koncertów i ponad 250 nagrań, z zespołami muzycznymi i projektami solowymi w Skandynawii, Europie, Australii, Afryce, Ameryce Południowej i Północnej oraz Azji. Główne festiwale i kluby/teatry/muzea w Szwecji, Norwegii, Finlandii, Danii, Islandii, Estonii, Litwie, Łotwie, Rosji, Polsce, Białorusi, Niemczech, Ukrainie, Belgii, Holandii, Francji, Anglii, Szkocji, Irlandii, Austrii, Szwajcarii, Hiszpanii, Portugalii, Włoszech, Grecji, Monako, Słowenii, Turcji, Węgrzech, Słowacji, Chorwacji, Macedonii, Serbii, Indiach, Chinach, Japonii, Korei, Tasmanii, Australii, Nowej Zelandii, USA, Brazylii, Kanadzie i Etiopii.
Colin Stetson urodził się i wychował w Ann Arbor, spędził dekadę w San Francisco i na Brooklynie szlifując swój talent waltornisty, by w końcu w 2007 roku osiąść w Montrealu.
Przez lata współpracował na żywo i w studio z wieloma zespołami i muzykami, takimi jak Tom Waits, Arcade Fire, Bon Iver, TV On The Radio, Feist, Laurie Anderson, Lou Reed, Bill Laswell, Evan Parker, The Chemical Brothers, Animal Collective, Hamid Drake, LCD Soundsystem, The National, Angelique Kidjo, Fink i David Gilmore. W międzyczasie rozwinął całkowicie unikalny głos jako solista, głównie na saksofonie i klarnecie, a jego intensywna sprawność techniczna dorównuje jego porywającym i emocjonalnie chwytającym umiejętnościom jako autora piosenek.
Zdumiewające fizyczne zaangażowanie Stetsona w pracę z instrumentami (głównie saksofonem basowym i altowym) tworzy bogate emocjonalnie i polifoniczne kompozycje, które przekraczają oczekiwania co do tego, jak może brzmieć solowa gra na rogu.
Wynikając z tego podejścia i estetyki, w ciągu ostatniej dekady regularnie wnosił swój wkład w świat muzyki filmowej, telewizyjnej i gier, tworząc takie tytuły jak Hereditary (2018), The First (2018), Red Dead Redemption 2 (2018), Color Out of Space (2019), Barkskins (2020), Mayday (2021), Among The Stars (2021), Texas Chainsaw Massacre (2022) i Uzumaki (2022).
Anders Nyqvist urodził się w 1977 r. w Szwecji. Zaczął grać na trąbce w wieku 10 lat. Po ukończeniu szkoły średniej w rodzinnym mieście Trollhättan otrzymał stypendium na studia muzyczne w Hong Kong Academy of Performing Arts. Studiował tam grę na trąbce i śpiew, ale wkrótce zdecydował się na trąbkę. Po trzech latach spędzonych w Hongkongu otrzymał stypendium na kontynuację nauki w Royal Academy of Music w Londynie.
W 2004 roku został członkiem Klangforum Wien.
Dla Andersa Nyqvista możliwość pracy z kompozytorami, rozwijanie nowych brzmień, wnoszenie własnego doświadczenia i bycie częścią procesu twórczego jest istotnym składnikiem tworzenia muzyki. Występował na całym świecie zarówno jako solista, jak i z zespołami kameralnymi na większości najważniejszych festiwali i sal koncertowych. Jako solista występował z takimi zespołami i orkiestrami, jak Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Helsinki Philharmonic Orchestra, Radio-Symphonieorchester Wien i Tonkünstler-Orchester Niederösterreich.
Od 2009 roku uczy gry na trąbce w ramach programu studiów Performance Practice in Contemporary Music na Uniwersytecie Muzyki i Sztuk Scenicznych w Grazu, a od 2011 roku także na Uniwersytecie Muzycznym w Wiedniu. Regularnie prowadzi również kursy mistrzowskie w Europie i Azji.
Specjalnie dla niego zostały napisane utwory przez takich kompozytorów, jak Matthias Pintscher, Bernhard Gander, Bernhard Lang, Pierluigi Billone, Nina Šenk i Roland Freisitzer. Wziął również udział w wielu produkcjach płytowych, DVD i telewizyjnych.
Dieb13 to turntablista, haker, filmowiec, autodydakta, kompozytor, kolażysta i sumienny przeciwnik praw autorskich. Od 1997 roku zagrał setki koncertów w ponad 30 krajach jako solista, jak również jako członek różnych zespołów. Długoletnia współpraca z (m.in.) Billym Roiszem, Philem Mintonem i Matsem Gustafssonem. Wydał około 65 albumów na około 35 wytwórniach. Tworzył muzykę do produkcji teatralnych, tanecznych, operowych, filmowych i wideo, a także instalacji i wystaw. Jest założycielem i operatorem platformy internetowej klingt.org. Pełnił także funkcję kuratora festiwali i serii koncertowych. http://dieb13.klingt.org
Urodził się w 1957 r. w Skellefteå na północy Szwecji. Dyplom z gry na tubie klasycznej uzyskał w 1983 r. w Królewskiej Akademii Muzycznej w Sztokholmie, gdzie jego nauczycielem był Michael Lind. Holmlander zawsze zajmował się jednocześnie improwizacją, muzyką jazzową i rockową, a także klasyczną i współczesną.
Jako improwizator Holmlander współpracował z Eje Thelinem, Marilyn Crispell, Paulem Lovensem, Folke Rabe, Philem Mintonem, Stenem Sandellem, Svenem-Åke Johanssonem, Gunterem Christmannem, Kjellem Westlingiem, Keithem Rowe, Georgiem Riedlem, Position Alpha, The Swedish Radio Jazz Group, Barry Guy New Orchestra, Ken Vandermark – Territory Band & Resonance Ensemble, London Jazz Composers Orchestra, Peter Brötzmann Chicago Tentet, Swedish azz, Fredrik Ljungkvist and his Yun Kan 5 & 10, Fire! Orchestra….. wśród wielu innych.
Holmlander dużo pracuje z muzyką teatralną, czasem występuje solo, a także regularnie pracuje z własną orkiestrą Carliot – It’s never too late Orchestra, Paal Nilssen-Love Large Unit, Fish & Steel, a ostatnio z Gabrielle Mitelli – E.G.O. – EuropeanGalacticOrchestra, Parti & Minut, Inner Ear, Torden Kvartetten i Mats Gustafsson NU-Ensemble.
Per-Åke nagrał ponad 100 płyt i wystąpił w ponad 1800 spektaklach teatralnych. występach teatralnych. Koncertował w 39 krajach, a od grudnia 2008 r. jest grudnia 2008 roku jest członkiem rządowej organizacji Musikalliansen.
Jérôme Noetinger (1966) jest kompozytorem, improwizatorem i artystą dźwiękowym, który pracuje z urządzeniami elektroakustycznymi, takimi jak magnetofon szpulowy Revox B77 i taśma magnetyczna, syntezatorami analogowymi, stołami mikserskimi, głośnikami, mikrofonami, różnymi elektronicznymi przedmiotami codziennego użytku i domową elektroniką.
Występuje zarówno solo, jak i w zespołach (Cellule d’Intervention Metamkine, Le Un, Hrundi Bakshi, Les Sirènes, Proton…), często współpracuje (Sophie Agnel, Lionel Marchetti, Aude Romary, Angelica Castello, Antoine Chessex, Anthony Pateras, Anne-Laure Pigache…).
Od 1987 do 2018 roku był dyrektorem Metamkine, organizacji non-profit zajmującej się dystrybucją muzyki improwizowanej i elektroakustycznej.
W latach 1987-2014 Jérôme był członkiem komitetu redakcyjnego kwartalnika o współczesnym dźwięku, poezji i performansie, Revue & Corrigée.
Przez dziesięć lat od 1989 roku był członkiem i koordynatorem programowym wystaw, koncertów i kina eksperymentalnego na le 102 rue d’Alembert w Grenoble.
Hedvig Mollestad Thomassen jest przełomową i wpływową norweską gitarzystką z Ålesund. Jej praca z Hedvig Mollestad Trio, w tym 7 albumów w ciągu 10 lat, przyniosła jej szeroką międzynarodową uwagę i zainteresowanie. W 2020 roku wydała swoją pierwszą solową płytę Ekhidna, za którą otrzymała norweską nagrodę Grammy. Jej druga solowa płyta również została nominowana do norweskiej nagrody Grammy, podobnie jak jej płyta z triem z 2021 roku.
David Fricke z Rolling Stone napisał: „Od razu uderzyła mnie jakość i dzikość jej gry na gitarze i improwizacji, a także rytmiczna więź grupy”. Richard Williams napisał notki do albumu koncertowego z 2016 roku i mówi: W jej solówkach zawsze dzieje się coś dzikiego i wartego uwagi, demonstrując fenomenalną zręczność i dar do detali. Wydawnictwa tria były wielokrotnie recenzowane w takich mediach, jak New York Times, Wall Street Journal, MOJO, Uncut, Classic Rock, The Wire, Downbeat, Jazzwise, Jazztimes, Guitar World i Decibel Magazine. Po wydaniu płyty Ekhidna została włączona do listy „25 for the future” magazynu Downbeat, gdzie w artykule tym przedstawiono wschodzących artystów, którzy potencjalnie będą kształtować kierunek rozwoju jazzu w nadchodzących latach.
W ostatnich latach Mollestad zaznaczyła swoją obecność także jako kompozytorka poza triem. W ostatnich latach Mollestad zaznaczyła się także jako kompozytorka poza triem, tworząc kilka zamówionych utworów. W 2019 roku dostarczyła Tingingsverket do Vossajazz, jej najnowsze wydawnictwo Ekhidna. W 2019 r. otrzymała również prestiżową nagrodę Musicians Prize na Kongsberg Jazz Festival, gdzie wystąpi w 2022 roku ze swoim nowym projektem Weejuns, z udziałem kilku międzynarodowych zespołów. Jest również autorką muzyki dla Trondheim Jazz Orchestra, a jej najnowszy utwór Maternity Beat, z udziałem 12 muzyków, został wykonany po raz pierwszy na Molde Int. Jazz Festival 2020, nagrany w 2021 roku i wydany w 2022 roku.
Otrzymała nagrodę dla Tegorocznego Talentu Jazzowego podczas Moldejazz w 2009 roku. 2009 r. i z tej okazji założyła Hedvig Mollestad Trio. Od . 2010 r. trio zagrało setki koncertów w Norwegii, Szwecji, Danii, Niemczech, Polsce, Łotwie, Estonii, Finlandii, Szwajcarii, Austrii, Francji, Holandii, Belgii, Portugalii, Włoszech, Japonii, Malezji, USA i Kanadzie, USA i Kanadzie. Poniżej znajduje się pełna dyskografia Hedviga Mollestada Thomassen. Hedvig Mollestad Thomassen grała i pracowała blisko z takimi nazwiskami jak Jon Balke, Mats Gustafsson, Susana Santos Silva, Jon Eberson, Jarle Bernhoft, Ståle Storløkken i Torstein Lofthus.
Kompozytorka urodzona w 1991 roku w Krakowie. Mieszka w Warszawie. Tworzy muzykę zarówno instrumentalną, elektroakustyczną, jak i elektroniczną. Gra na skrzypcach, elektronikaliach i odpadach. Jej utwory były wykonywane na różnych festiwalach, m. in. na Warszawskiej Jesieni, Musice Electronice Novej, Sacrum Profanum, Unsoundzie, Containerclangu (Kolonia), czy Bedingo International Festival of Exploratory Music.
Współpracowała przy produkcjach filmowych (Wieża. Jasny dzień w reż. J. Szelc, Prime Time w reż. J. Piątka, Sole w reż. C. Sironiego), spektaklach teatralnych (Hymn do miłości w reż. M. Górnickiej (Najlepsza Muzyka na 10. Festiwalu Boska Komedia), Listopad w reż. T. Węgorzewskiego (wyróżnienie na III edycji festiwalu Klasyka Żywa)), spektaklach telewizyjnych (Słabi w reż. A. Biedrzyckiego (nagroda za muzykę na Teatroteka Fest 2019), performansach (Chorus from the “The Ark of Covenant” K. Kozyry) i instalacjach audiowizualnych (Life As We Know It – NOW, we współpracy z kolektywem ARK Amsterdam).
W 2021 roku otrzymała nagrodę za muzykę do Prime Time na 46. Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni oraz Paszport Polityki.
Jest absolwentką UMFC w Warszawie w klasie kompozycji Krzysztofa Baculewskiego.
Perkusistka, samouk. Od początku swojej twórczości związana z Ośrodkiem „Pogranicze – sztuk, kultur, narodów” w Sejnach; współtwórczyni Sejneńskiej Spółdzielni Jazzowej, gdzie współpracuje z muzykami takimi jak: Mikołaj Trzaska, Wacław Zilmpel, Raphael Roginski, Hubert Zemler, wytwórnią LADO ABC. Perkusistka w Orkiestrze Klezmerskiej Teatru Sejneńskiego, Ejbike Mame, Taniej O, Pochwalonych, Bandzie Dzeta.
Szymon Wójcik – kompozytor, gitarzysta, artysta dźwiękowy i improwizator na co dzień mieszkający w Kolonii. W swoich pracach koncentruje się na poszukiwaniu równowagi między precyzyjną organizacją materiału muzycznego a swobodą wypowiedzi, budowaniu kontrastów i zestawianiu elementów, które na pierwszy rzut oka wydają się bardzo odległe, a także badaniu wpływ innych mediów na proces twórczy i pracę kompozytorską.
Lider projektów ALL THE WONDER OF SIX LITTLE SPOONS oraz RASP Lovers, współzałożyciel oraz członek kolektywów Travel Adapter i P.E. Quartet, autor solowego projektu „ODWILŻ/THE THAW”.
MAGDALENA BOJANOWICZ jest laureatką Paszportu „Polityki” – nagrody tygodnika „Polityka” przyznawanej twórcom oraz kreatorom kultury. Zdobyła I nagrodę na 45. Międzynarodowym Konkursie Jeunesses Musicales w Belgradzie (2015), a także jest laureatką II nagrody i dwóch nagród specjalnych na VIII Międzynarodowym Konkursie im. Witolda Lutosławskiego w Warszawie. Otrzymała również III nagrodę na I Międzynarodowym Konkursie Wiolonczelowym im. Krzysztofa Pendereckiego w Krakowie. Spośród jej innych sukcesów konkursowych wymienić można także II nagrodę na 69. Międzynarodowym Konkursie Wiolonczelowym im. Ludwiga van Beethovena w Hradec Králové (Czechy) czy wyróżnienie na 64. Międzynarodowym Konkursie „Praska Wiosna” w Pradze. Jest również finalistką Międzynarodowego Konkursu Wiolonczelowego w Stuttgarcie (2014). Ma na swoim koncie również liczne nagrody na konkursach kameralnych wraz z pianistą Mischą Kozłowskim oraz z partnerami z zespołu Chopin Piano Quintet.
Swoje umiejętności doskonaliła na kursach pod okiem takich artystów jak Julius Berger, Jens Peter Maintz, Kazimierz Michalik, Phillippe Muller, Arto Noras, Claus Reichardt czy Victoria Yagling.
Była stypendystką Krajowego Funduszu na rzecz Dzieci (2001- 2008) oraz Ministra Kultury i Sztuki. Współpracowała jako solistka pod batutą takich dyrygentów jak: M. Caldi, G. Tchitchinadze, D. Smith, V. Schmidt-Gertenbach, R. Rivolta, M. Moś, M. Diakun, M. Klauza, T. Wojciechowski, J. Kosek, M. Nesterowicz, P. Przytocki, W. Rodek, A. Klocek, B. Suđić, B. Lack, E. Kovacic, J. M. Florêncio, W. Michniewski. Brała udział m.in. w licznych festiwalach ogólnopolskich oraz międzynarodowych: „Music Connects” w Grand Resort Bad Ragaz w Szwajcarii, Gulangyu Festiwal w Xiamen (Chiny), „Festival au Leman” w Thonon les Bains we Francji, „Festiwal Kameralny” w Moskwie, Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej „Warszawska Jesień” „Muzyka na szczytach” w Zakopanem, „Muzyczne przestrzenie”, Festiwal „Musica moderna” w Łodzi, „Musica Polonica Nova” we Wrocławiu, Festiwal Hubermanna w Częstochowie, „Emanacje” w Lusławicach, “Convivium Musicum” w Serbii.
Występowała m.in. w Tonhalle w Zürichu, Royal Festival Hall w Londynie, Kolarac w Belgradzie, Studio Koncertowym Polskiego Radia im. W. Lutosławskiego w Warszawie, Filharmonii Narodowej w Warszawie. Jako solistka współpracowała m. in. z orkiestrami: Filharmonii Narodowej, NOSPR, NFM Orkiestra Leopoldinum, Filharmonia Wrocławska, Sinfonietta Cracovia, AUKSO, Orkiestra Akademii Beethovenowskiej, Polska Orkiestra Sinfonia Iuventus, Belgrade Philharmonic Orchestra. Ma na swoim koncie liczne prawykonania utworów z orkiestrą m.in.: „Koncert wiolonczelowy” Dariusza Przybylskiego (z NOSPR wydany przez wytwórnię DUX), „Dziennik zapisany w połowie” Aleksandra Nowaka (z AUKSO, NMF), „ Koncert Podwójny” Hanny Kulenty (Na Festiwalu „Eufonie” w Filharmonii Narodowej z Orkiestrą Filharmonii Lwowskiej) oraz „Simple Music” Pawła Szymańskiego (z Filharmonią Wrocławską w NFMie).
W 2021 roku nagrała płytę monograficzną z kompozycjami Cezarego Duchnowskiego na wiolonczelę i elektronikę. Magdalena Bojanowicz ukończyła z wyróżnieniem studia na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie wiolonczeli Andrzeja Bauera i Bartosza Koziaka oraz Universität der Künste w Berlinie w klasie Jensa Petera Maintza. Współtworzy Chopin Piano Quintet oraz grupę Cellonet.
Ur. 6 lutego 1989 w Bydgoszczy. Aktualnie zamieszkały w Sokołowsku.
Wyrastający ze środowiska artystycznego zgromadzonego wokół słynnego klubu MÓZG. W ciągu ostatnich 17 lat zagrał setki koncertów, na których występował m.in. z takimi artystami jak Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Roscoe Mitchell, Tomasz Sroczyński, Toshinori Kondo, Peter Brotzmann, Kris Wanders czy Fred Frith. Aktualnie zajmuje się pracą w zespołach Malediwy z Markiem Pospieszalskim, Kondensator Przepływu z Bartłomiejem Chmarą, T’ien Lai z Jakubem Ziołkiem i Łukaszem Jędrzejczakiem, Wojtek Mazolewski Quintet oraz w nowopowstałych duetach z kompozytorką Teoniki Rożynek czy belgijskim producentem Obsequies. Oprócz gry na instrumentach, tworzy także muzykę teatralną współpracując z Maciejem Podstawnym, Pawłem Łysakiem, Arturem Pałygą czy Grzegorzem Jaremko. Zaznaczył również swoją obecność na scenie hip hopowej produkując płytę HORE, legendarnego rapera VIENIA.
Dodatkowo, jako wiceprezes MÓZG FOUNDATION oraz Stowarzyszenia Grupa Sokołowska, współpracuje przy organizacji projektów kulturalnych i działań społecznych w Bydgoszczy, Warszawie i Sokołowsku. Od roku 2020 prowadzi również swoją autorską audycję ”WARSTWY” dla Radia Kapitał.
Barbara Drazkov to pianistka, preparatorka pianin, kompozytorka i performerka mieszkająca w Brukseli.
Po studiach w poznańskiej Akademii Muzycznej, jako stypendystka Rządu Niemieckiego kontynuowała naukę w Kolonii i w Lubece.
Następnie przeniosła się do Hiszpanii, gdzie pracowała z muzykami flamenco i zespołami muzyki współczesnej w Sewilli.
Od 11 lat mieszka w Belgii i koncertuje na całym świecie m.in. w Operze w Sydney, NCPA w Pekinie, w Auditorium w Rzymie, w Teatrze Bunkamura w Tokio, w Operze Narodowej w Amsterdamie, podczas Ars Musica w Brukseli czy na Warszawskiej Jesieni.
Związana jest z teatrami tańca współczesnego w Belgii, Holandii i Hiszpanii; komponuje muzykę do teatru i filmu animowanego.
Współpracuje z Dominikiem Strycharskim, z hinduskim wirtuozem mridangamu Manjunath BC, z marokańskim śpiewakiem Mohammed El-Arabi Serghini, z kompozytorami: Paweł Mykietyn, Szymon Brzóska, Nicholas Lens, Wim Henderickx.
Znana jest ze swoich działań performatywnych jak np.: rowerowa trasa koncertowa 'Green Pianist’, koncert w ciemnościach 'Niewidzialna Pianistka’, czy manifest przeciwko zanieczyszczaniu miejsc publicznych muzyką 'Present from the Artist’.
Drazkov kolekcjonuje stare, często zaniedbane pianina i daje im nowe życie poprzez swoje autorskie preparacje.
Akordeonista/elektronik, improwizator.
Muzykę oraz dźwięki postrzega swobodnie i umownie, najistotniejszy jest dialog i spotkanie z drugim człowiekiem. Każda forma wydawania dźwięku, jest ułatwieniem nawiązania kontaktu z ludźmi.
Inspiracje czerpie z elementów najczęściej niezwiązanych bezpośrednio z muzyka, jak sam mówi ,, stara pralka, źdźbło trawy, warkot silnika autobusu, a nawet zwykle krzesło na środku sceny mogą być inspirujące. Każdy koncert jest zupełnie inny i jedyne co jest stałym elementem to instrument’’.
Występował na takich festiwalach jak m.in. A L’Arme Festiwal w Berlinie, Sharpe Festiwal w Bratysławie, LEM Festiwal w Barcelonie, Ring Ring Festiwal w Belgradzie czy Oct Loft jazz Festiwal w Shenzhen.
Miał okazję współpracować z takimi artystami jak m.in. Adam Pierończyk, Krzysztof Knittel, Joelle Leandre, TOC, Marcin Albert Steczkowski, Anna Gadt. Krzysztof Gradziuk, Michał Urbaniak, David Kollar, Ramon Prats, Yuhan Su, John Derek Bishop. Na co dzień wraz Łukaszem Czekałą tworzy duet Backspace, który określa swoją muzykę jako improwizowaną muzykę współczesną.
Eira Bjørnstad Foss ukończyła studia magisterskie w zakresie wykonawstwa muzycznego na NTNU w Trondheim. Obecnie mieszka w Trondheim i pracuje na polu współczesnej muzyki komponowanej i improwizacji.
Jest kluczową postacią na scenie współczesnej muzyki komponowanej w Norwegii, zarówno jako wykonawca, jak i kurator. Wykonywała zamówione utwory napisane specjalnie dla niej jako solistka z Trondheim Sinfonietta, a ze swoim zespołem Tøyen Fil og Klafferi dokonała ponad 30 prawykonań utworów młodych, kreatywnych kompozytorów z całego świata. Ich debiutanckie nagranie, Botanisk Hage, zostało nominowane do norweskiej nagrody Grammy w 2021 roku za najlepszy album roku z muzyką współczesną.
Ostatnie współprace obejmują projekty z Matsem Gustafssonem, Trondheim Sinfonietta i Trondheim Jazzorkester, a także nadchodzące występy z Ultima Music Festival, Music Unlimited Wells i Kongsberg Jazz Festival. Jesienią 2022 roku rozpocznie pracę jako research fellow w The Department of Music na NTNU w Trondheim.
Matilda Rolfsson (ur. 1987) jest szwedzką improwizatorką i perkusistką mieszkającą w Trondheim w Norwegii. Dzięki zróżnicowanemu brzmieniu i teksturalnemu podejściu do gry na 20-calowym bębnie basowym, perkusji i werblu, Matildę można usłyszeć solo lub w konstelacjach z najlepszymi muzykami improwizującymi i choreografami/tancerzami z Europy i Skandynawii.
Wraz z wokalistką Maggie Nicols i pianistką Lisą Ullén tworzy trio – Trio Generations.
Obecnie Matilda jest aktywna jako badaczka artystyczna w NTNU w ramach projektu „In Motion, Movements with Direction”, gdzie wraz z tancerzami rozwija i pogłębia artystyczną praxis interdyscyplinarnego współdziałania w swobodnej improwizacji.
Lars Ove Fossheim jest wyjątkowym gitarzystą zajmującym się muzyką eksperymentalną, gdzie wykorzystuje swoje różnorodne doświadczenie w noise, jazzie, improwizacji, popie i rocku, aby wyrzeźbić nowe ścieżki dla gitary. Pracował i współpracował z takimi kompozytorami jak Pauline Oliveros, Christian Wolff, Jennifer Walshe i Christina Kubish, by wymienić tylko kilku. Miał swój wkład na licznych płytach i grał w zespołach takich jak Broen, Skadedyr i Trondheim Jazz Orchestra. W 2023 r. Wydał swój pierwszy solowy album zawierający muzykę napisaną na Gitarę Elektryczną. Od 2011 r. jest ważną częścią sceny muzyki eksperymentalnej w Trondheim, jest przewodniczącym zarządu w nyMusikk Trondheim.
Michael Francis Duch (1978) jest kontrabasistą z Trondheim w Norwegii oraz profesorem kontrabasu, jazzu i muzyki eksperymentalnej na NTNU – Norweskim Uniwersytecie Nauki i Technologii.
Brał udział w około 70 nagraniach wydanych w różnych formatach i współpracował z Pauline Oliveros, Matsem Gustafssonem, AMM, Christianem Wolffem, Tonym Conradem, Joëlle Léandre i innymi.
Michael Francis Duch gra w trio z Rhodri Daviesem i Johnem Tilburym, w kwartecie improwizowanym LEMUR z Bjørnarem Habbestadem, Hild Sofie Tafjord i Lene Grenager, w glasweskim avant disco-bandzie AMOR i w różnych innych konstelacjach.
Studiował wiolonczelę klasyczną w Konserwatorium Muzycznym w Trondheim, NTNU, a także inne kierunki muzyczne. Grał w różnych stylach i często w różnych rolach, z rockiem, popem i jazzem jako główną dziedziną, ale także w obszarze muzyki klasycznej, współczesnej i ludowej.
Wielokrotnie koncertował w Norwegii i Europie, m.in. z zespołami Dadafon i Trondheim Jazz Orchestra. Z tymi zespołami nagrał kilka albumów, również nagradzanych. Występował solo, na wiolonczeli i śpiewie na festiwalach, grając na wiolonczeli techniką basową lub gitarową.
Pracował jako muzyk studyjny przy około 60 płytach/filmach, tworzył muzykę dla zespołów, teatru filmowego i tańca.
Nicolas Leirtrø jest jednym z najbardziej pracowitych i ekscytujących norweskich muzyków. Od 2015 roku głównie gra na gitarze barytonowej w mocnym trio I LIKE TO SLEEP, które z biegiem lat stało się rozpoznawalną marką na festiwalach i w klubach w całym kraju.
W 2018 roku trio otrzymało tytuł „Młodych muzyków jazzowych roku” po zwycięstwie w prestiżowym i szeroko zakrojonym programie „Jazzintro”. W tym samym roku podpisali kontrakt z renomowaną wytwórnią płytową Rune Grammofon, gdzie wkrótce wydadzą swój trzeci album. Leirtrø grał na kontrabasie w niezliczonej ilości innych zespołów i projektów jazzowych, takich jak Dafnie Amalie Dahl, We Don’t Imagine Anymore Veslemøy Narvesena, Hidros o.T.//Hidros9 Matsa Gustafssona czy cieszące się międzynarodowym uznaniem trio free impro TEIP TRIO. Nie wspominając już o kultowych punkowcach Hey Gloria oraz o tym, że jest solidnym basistą i hałaśliwą dziką kartą w indiekrautowym zespole Earth Moon Transit.
Nicolas Leirtrø jest muzykiem i kompozytorem, który ma wiele na głowie i gorące pragnienie, by dać coś od siebie publiczności. Oprócz wielu różnych działań muzycznych, organizuje i promuje festiwale i serie koncertów w Trondheim.
Kyrre Laastad jest muzykiem, producentem i inżynierem dźwięku mieszkającym i pracującym w Trondheim w Norwegii. Wywodząc się z jazzu i muzyki improwizowanej, pracuje w różnych gatunkach i tradycjach, zawsze starając się zachować równowagę pomiędzy popychaniem muzyki w kierunku nowych obszarów, jednocześnie zachowując jej muzyczną spójność. Jako muzyk grał z różnymi osobami, takimi jak Christian Wolff, Jenny Hval, Mats Gustafssson, Pauline Oliveros i Lost Girls. Równolegle do swojej pracy jako muzyk zajmuje się również produkcją i nagrywaniem albumów dla innych osób. Ostatnie sukcesy w tym dziale to płyty Jenny Hval, Kim Myhr, MoE i Moskus.
Daniel Formo to klawiszowiec, improwizator i artysta dźwiękowy pochodzący z Trondheim w Norwegii. Pracuje w szerokim zakresie muzyki, od improwizowanej i współczesnej muzyki pisanej, poprzez jazz i gatunki popularne, aż po muzykę elektroakustyczną i sztukę elektroniczną. Jego praca koncentruje się na związku między językiem a muzyką, budowie instrumentów oraz między wirtualnymi a rzeczywistymi krajobrazami dźwiękowymi. Formo uważany jest za stylistycznie innowacyjnego muzyka i kompozytora, zwłaszcza za wykorzystanie Hammonda w ekscytujący nowy sposób oraz budowanie nowych instrumentów, łączących źródła elektryczne i akustyczne.
Rafał Różalski – kontrabasista, improwizator. Obecnie mieszka w Kopenhadze gdzie ukończył Rhytmic Music Conservatory. Członek wielu projektów z pogranicza muzyki improwizowanej, jazzu i rocka. Współtworzy m.in. RASP Lovers, Entropia Ensemble, PE Quartet, ALAWARI, zespół Druga Połowa Sierpnia.
Urodzony w 1975, odebrał wykształcenie muzyczne w klasie kontrabasu w Państwowej Szkole Muzycznej Ist. w Bolesławcu. Muzyk, kompozytor, od 2006 roku rozwija poszukiwania w dziedzinie nietypowych źródeł dźwięku. Założyciel wrocławskiej grupy Małe Instrumenty, w ramach której realizuje własne potrzeby artystyczne. Jest autorem muzyki do ponad 20 filmów i spektakli teatralnych, własną muzykę opublikował na 15 płytach LP, SP, CD i DVD w Polsce, Japonii i Francji oraz zagrał około 300 koncertów w Europie i Azji. Zgromadził unikalny zbiór ponad 600 nietypowych instrumentów muzycznych, wykorzystywanych w działaności koncertowej nagraniowej i wydawniczej.
Buduje własne instrumenty, konstrukcje grające, tworzy instalacje dźwiękowe. Jest badaczem kultury instrumentów muzycznych : w 2010 roku opublikował pierwsze na świecie opracowanie historii toy piano; w 2013 napisał podręcznik „Domowe eksperymenty z instrumentami muzycznymi” wydany wraz z albumem Małych Instrumentów „Samoróbka”, poświęcony edukacji w zakresie własnoręcznego budowania eksperymentalnych instrumentów muzycznych. Drugie wydawnictwo kontynuujące idee „samoróbki” poświęcił 20 osobowej grupie warsztatowej, z którą przygotował i zrealizował zbiór utworów na płycie „Gruppo di Construzione”. Był to drugi duży projekt warsztatowy zrealizowany we współpracy z Fundacją PozyTywka.
W latach 2019-2021 we współpracy z Klubem Pod Kolumnami zrealizował 3 autorskie projekty w obszarze osób niewidomych i niesłyszących.
Maren Sofie jest młodą i dociekliwą akordeonistką ze szczególnym zainteresowaniem muzyką współczesną, ale lubi też grać transkrypcje i improwizację. Niedawno ukończyła studia w Norweskiej Akademii Muzycznej. Podczas studiów grała w wielu różnych projektach, zarówno solowych, jak i kameralnych, współpracowała z kompozytorami przy tworzeniu nowych utworów, a także sama komponowała. Obecnie jest członkiem zespołów: trio progresywne, KRÆKK i AKSE.
